Arte del XX secolo nelle collezioni primavera-estate
IN UNA TESTA WONDERZINE COSTANTE parla dei trend del podio che possono essere adattati al tuo guardaroba per i prossimi sei mesi. In questo numero ci occupiamo della tendenza più brillante della stagione: l'arte, che è apparso nelle collezioni primavera-estate di designer da Prada a Prabal Gurung.
Com'è cominciato tutto
Le idee del mondo dell'arte hanno sempre influenzato il design di abiti e tessuti. Negli anni '20, le avanguardie e i fauforisti, guidati da Henri Matisse, influenzarono la moda, che può essere rintracciata negli abiti di Paul Poiret. Madeleine Vionne amava il cubismo e usava forme e linee geometriche nei vestiti, e l'artista futurista Ernesto Tayat disegnò il logo per la sua casa Vionnet. Negli anni '30 arrivò la passione per il surrealismo. Elsa Schiaparelli creava bottoni sotto forma di caramelle e noccioline ed era amico di Salvador Dali e Jean Cocteau, mostrando l'abito di seta con le aragoste, la giacca, che raffigurava una donna i cui lunghi capelli correvano lungo la manica e le braccia avvolte intorno alla vita. Queste e altre idee sorgeranno più di una volta nei designer moderni, compreso il russo (si pensi alla collezione di Alexander Terekhov Autunno-Inverno - 2013).
Gli anni '50 e '60 sono diventati un periodo in cui moda, musica e arte si intrecciano e l'emergere della televisione a colori ha completato la svolta della cultura visiva. Allo stesso tempo, è emersa una cultura del consumo, della replica e di un mercato di massa - tutto ciò che non ha perso la sua posizione finora. I giovani si sono riversati nei college e nelle università creative, ea Londra e New York è diventato di moda essere un designer, un fotografo, un modello, un grafico o uno stilista (e non è mai cessato). I designer si sono adattati alle rock star (per esempio, Pete Townsend di The Who o Keith Richards dei Rolling Stones), e gli artisti hanno creato poster per concerti e copertine di album, come l'arte appariva su ogni lampione.
I nomi degli artisti della pop art sanno tutto: Richard Hamilton, Roy Lichtenstein, Andy Warhol - sono stati i primi a riflettere la società dei consumi e la cultura popolare, descrivendo ciò che interessa la gente qui e ora (pubblicità, televisione, merci dai negozi). Il padre della pop art è considerato il britannico Richard Hamilton, che ha creato il primo e più famoso collage "Quindi cosa rende oggi le nostre case così diverse, così attraenti?" nel 1956. Roy Lichtenstein ha sperimentato immagini di fumetti e cartoni animati. Andy Warhol, prima di diventare un artista, ha lavorato come illustratore, sembra, in tutti gli uffici editoriali alla moda di New York, ha ottenuto i giusti collegamenti e ha dato il via libera al mix di generi. Il film sponsorizzato da John Cale of Warhol The Velvet Underground è stato sposato con lo stilista Betsy Johnson, che ha recentemente ripreso la produzione di abbigliamento all'età di 72 anni. A quel tempo, Betsy creava T-shirt divertenti sotto l'etichetta Youthquake e lavorava in uno dei principali negozi newyorkesi dell'epoca - Paraphernalia su Madison Avenue, che collaborava con Edie Sedgwick e Warhol, che a loro volta dipingevano la carta per il negozio. mini abiti e borse shopper (allora i vestiti monouso sono diventati di moda).
Fu durante il periodo d'oro della pop art negli anni '60 che c'era bisogno di un design economico e veloce: i negozi risposero rapidamente alle richieste della gente. Ad esempio, il negozio Biba di Abingdon Road ha aggiornato le sue collezioni ogni settimana: questa è una tecnica che ora sta operando con successo sul mercato di massa. Twiggy ha scritto: "Tutto è andato fuori moda con la stessa rapidità con cui è arrivato, ma è stato solo il moderno ad attrarlo, ha allontanato tutto ciò che era vecchio".
Ignorare la pop art era impossibile. Yves Saint Laurent ha inventato in risposta abiti in maglia con applicazioni a forma di cuori, profili femminili e labbra, che hanno recentemente interpretato Edie Slimane. Dopo la collezione Saint-Laurent "Mondrian" nel 1965, Stephen Willats ha creato un abito simile "Changing Sheets", ma solo da vinile di nuova moda. Pierre Cardin ha sperimentato il vinile e Roy Halston ha creato abiti con i "Fiori" di Warhol del 1964, che Miuccia Prada ha citato nella collezione primavera-estate 2013.
Negli anni '80, l'artista Keith Haring, noto per i suoi graffiti pop art, aprirà il Pop Shop a New York, dove venderà le T-shirt con le sue opere. Vivienne Westwood lavorerà anche con Haring negli anni '80 nella collezione Witches, dove il britannico riprodurrà le opere dell'artista con colori luminosi, e oggi i lavori di Haring su T-shirt sono applicati dal marchio Uniqlo, che ha anche realizzato una collaborazione con il New York Museum of Modern Art. Nel 1991, la pop art si dimostrerà ancora una volta: l'italiano Gianni Versace creerà un abito attillato con una stampa di acido stencil che affronta Marilyn Monroe e James Dean, rendendo omaggio a Andy Warhol. Un complemento ai colori incompatibili del vestito sarà un bustier in stile showgirl, decorato con strass e applicazioni in tessuto. La giovane Naomi Campbell apparirà in questo vestito, e il presidente di Condé Nast Nicholas Coleridge noterà che il cliente di Versace non è gravato da "alta moralità".
Come indossare oggetti ispirati all'arte, ora
I designer non sono la prima stagione a guardare l'arte, quindi a indossare stampe di vestiti, riproduzioni di artisti famosi (Bosch e Gauguin sono spesso citati qui), quindi a collaborare con artisti contemporanei. Tuttavia, in questa stagione una notevole enfasi è stata posta sulla pop art, anche se non ha fatto a meno di Gauguin (abbiamo visto le sue riproduzioni allo spettacolo Aquilano.Rimondi e nella collezione di alta moda Maison Martin Margiela). Con gli anni '60 e la pop art, la moda moderna è legata e la commercializzazione della moda e dell'arte. La più notevole manifestazione della pop art è stata la collezione Prada - Miuccia Prada ha ripensato al lavoro di artisti contemporanei e di strada: Pierre Morne, Jeanne Detallante, Stinkfish, Gabriel Spectra e altri. Inoltre, molti marchi che producono frizioni eleganti sono diventati popolari: Sarah's Bag presenta opere di Roy Lichtenstein, Yazbukey crea frizioni luminose sotto forma di un pacchetto di sigarette o dentifricio, la Lulu Guinness britannica - sotto forma di labbra. Jean-Charles de Castelbajac, Jeremy Scott e Ashish sulla pop art, il cane ha mangiato: qui tu e Coca-Cola, e una stampa sotto forma di prevenzione in televisione.
Inoltre, Jeremy Scott, nella collezione della prossima stagione per Moschino, che mostra abiti da cerimonia, cita le prime cose create per la pubblicità nel 1956, ovvero abiti e gonne della lunghezza del midi Martini Label, completamente impreziositi dai loghi del marchio indossati dai primi fan del rock. rotolare per bevande del festival gratuite. Christopher Kane crea gonne con una stampa sotto forma di colori replicati, richiamando il lavoro degli anni '60. Raf Simons per Christian Dior usa la tecnica della pop art - logomania. Missoni è ispirato ai fumetti giapponesi. Kenzo cita la grafica moderna e il disegno con le matite. Prabal Gurung crea l'omaggio a Marilyn Monroe. Preen viene applicato all'astrazione del vestito.
Diverse marche furono immediatamente ispirate dall'espressionismo astratto, principalmente dalle opere di Jackson Pollock e Mark Rothko. Nella collezione di Chanel, Lagerfeld stampò stampe su abiti sotto forma di vivaci spruzzi di vernice e adornò lo spazio espositivo con 75 opere d'arte con simboli della casa di Chanel; dipinti, sculture e installazioni dopo lo spettacolo furono trasferiti al Grand Palais di Parigi. Prima di lasciare Jil Sander, Gilles Zander ha anche incluso diversi archi con stampe astratte nella sua ultima collezione primavera-estate monocromatica. Phoebe Failo ha pubblicato la collezione Сéline, a quanto pare, abbinata a Fauvism e una grande mostra. "Henri Matisse: The Cut-Outs, che va in Tate Modern fino a settembre. Anche Calvin Klein include un arco con stampe astratte.
Come dice il designer britannico Jonathan Anderson, mostrando le collezioni no-profit a cui i critici hanno pensato a lungo: "Per me, la moda non è mai stata una forma d'arte, non si può paragonare un artista e un designer. La differenza è che l'arte non cade sulle vendite, ma al contrario, nel corso degli anni è aumentata nel prezzo, ma un abito raro entra nel museo della moda.
ATTENZIONE!
I piccoli marchi democratici hanno a lungo amato usare l'arte per scopi commerciali, ma di solito lo fanno in modo frontale. Fai attenzione alle felpe o alle borse dubbiose con le riproduzioni di Bosch, Van Gogh o una lattina di zuppa Campbell. Se non sei pronto a pagare per il lavoro di un grande artista su una gonna costosa, è meglio scegliere le cose con stampe astratte - ce ne sono, per esempio, nella collezione Zara. Un buon acquisto sarà una cosa da una collaborazione con artisti contemporanei. E ricorda la cosa principale: le cose insolite richiedono un'attenta operazione: combinale con qualcosa di minimalista e lascia l'eccentricità ipertrofica a Joan Aguzarova e Andrei Bartenev.
immagini: Tate Modern, Getty Images (4)